Noé

Noah, EUA, 2014. Direção: Darren Aronofsky. Roteiro: Darren Aronofsky e Ari Handel. Elenco: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Ray Winstone, Anthony Hopkins, Emma Watson, Logan Lerman, Douglas Booth. Duração: 138 min.

“Adão conheceu Eva, sua mulher, e ela concebeu e deu à luz Caim, e disse: ‘Possuí um homem com a ajuda do Senhor’. E deu em seguida à luz Abel, irmão de Caim. Abel tornou-se pastor e Caim lavrador. Passado algum tempo, ofereceu Caim frutos da terra em oblação ao Senhor. Abel, de seu lado, ofereceu dos primogênitos do seu rebanho e das gorduras dele; e o Senhor olhou com agrado para Abel e para sua oblação, mas não olhou para Caim, nem para os seus dons. Caim ficou extremamente irritado com isso, e o seu semblante tornou-se abatido”.

[Genesis, capítulo 4, versículos 1, 2, 3, 4 e 5]

À primeira vista, Noé não é um filme comum de Darren Aronofsky. Querendo aproximar-se de cineastas como Mel Gibson, William Wyler, Cecil B. DeMille e até mesmo Kubrick e Scorsese, o americano aparenta ter dirigido um protótipo de épico feito para estúdio, a fim de conquistar o público católico. Por outro lado, dono de uma carreira que, apesar de parecer divergente, complementa-se, Noé nasce como um projeto muito mais ambicioso do que poderia ser esperado, culminando numa resposta ferrenha à adulação cristã, além de servir como gancho para explorar diferentes camadas: familiar, social e pessoal.

Afinal, partindo do ponto de que Noé é um personagem que se vê entre sua fé e sua devoção pela família e a natureza, o personagem-título reside na linha tênue entre a loucura e o seu sacrifício extremo – assim, não se distanciando de obras como O Lutador ou Cisne Negro, ambas do diretor. Claro que, a princípio, a lógica é criar um paralelo com A Fonte da Vida, o que até mesmo a trilha sonora do soberbo Clint Mansell não se reprime em fazer: construindo acordes semelhantes aos de sua composição Death Is The Road to Awe.

Todavia, a obra de Aronofsky se estende a muito mais que o âmbito do relacionamento familiar, ainda que esteja intrínseco ao que estamos assistindo. A jornada de Noé é sempre obscurecida pela questão milenar regida por nossa natureza: sou bom ou sou mau? Sou igual àqueles que combato? E o personagem, diferente do que se espera, não trilha o caminho da arrogância ou da autossuficiência; muito pelo contrário, querendo provar para seu “mestre” que possui as qualidades necessárias para cumprir a tarefa, sacrifica sua própria essência ao livrar-se de outros seres humanos sem piedade. Como o ambientalista que é, Noé acredita que a natureza é a única e possível evolução. Não haveria espaço para homens na nova sociedade. Não à toa, refugia-se no único lugar que sabe não ter sofrido a ação dos homens: as florestas, o verde. O próprio diálogo de Noé com seus filhos aponta para outro simbolismo pessoal e pertinente na obra: “o vento leva sementes, outras brotam. Elas têm um propósito”.

Aqui, aliás, precisa-se começar a evidenciar o contraponto brilhante que Aronofsky cria ao retratar Noé como o “favorito” do “Criador”. Deixando claro que a metáfora de Caim e Abel serviria para o decorrer do longa-metragem como a principal meta, o diretor imprime com facilidade os lados dos dois irmãos. Se a luta entre Caim e Abel, por exemplo, representa o primeiro homicídio da humanidade, o princípio da tentação e da ganância, o americano inicia da mesma forma a sua obra: ao provocar o espectador com Tubal-cain assassinando o pai de Noé e estabelecendo a lógica.

Continuando o seu caminho pelo antigo testamento, o diretor também não só brinca ao trazer pelugens diferentes para um animal ferido que é encontrado pela família de Noé (Cisne Negro), mas também com o fato do sacrifício do espécime aos céus (capítulo 4, versículo 4: Abel oferece o primogênito de seu rebanho).

Não dá para deixar de destacar, nesta perspectiva, o apreço que Abel, digo, Noé, possui por Sem, o primogênito. Da mesma forma, para deixar a luta final entre Tubal-cain e o protagonista ainda mais clara, como uma demonstração de uma segunda chance, um recomeço, os opostos vividos pelos dois, apesar da mesma espécie (outro símbolo), são sublinhados durante todo o percurso. Note, sob esta ótica, o enquadramento de Aronofsky que confere o primeiro encontro entre os dois – de um lado as árvores e frutas silvestres (Caim, ou melhor, Tubal-cain), doutro o rebanho e a arca (Abel, ou melhor, Noé). A própria cena na barraca, quando o personagem de Winstone cobra a adoração de Deus pelo outro, reflete este espírito.

Como se não fosse o bastante, o americano ainda é mais claro na forma como o atentado a Noé é orquestrado, com este seguindo seu próprio parente para ser morto. Neste caso, ao mesmo tempo, importantíssimo salientar a tragédia familiar em que os personagens estão envolvidos: basta avaliar que a parte em que Tubal-cain entra na arca é a que Cam cuidava, a mais frágil. Como se a arca fosse exatamente um símbolo para aquele ambiente, que estava corrompido. Também vale indicar que o “antagonista” apoia-se no machado de Cam para se levantar durante uma discussão com Noé e usa exatamente aquele para entrar na arca (sem esquecer que, olha só, a combinação dos dois nomes formam exatamente o nome de Caim). Cam, além do mais, é um dos personagens mais interessantes do roteiro e sua busca pela aprovação do pai, já que se sente reprimido desde pequeno, é exatamente a válvula que dá origem à tragédia: observe que, mesmo que inconsciente, o personagem só vai para as florestas quando ouve do pai: “estou pedindo para você ser homem” – algo que é semioticamente belo.

Do mesmo modo, Noé possui uma invejável profundidade para debater a sua própria natureza e a compaixão e ódio intrínsecos à humanidade. Seu próprio duelo intimista é denunciado em sua natureza ambientalista versus o rebanho para o sacrifício. Algo que é diagnosticado em uma magnífica sequência envolvendo uma decisão que precisa ser feita relacionando homens e animais: analise, neste ponto, que os absurdos sacrifícios humanos vistos nas comunidades projetavam uma troca de duas meninas por um animal, algo que o próprio Noé estaria disposto a fazer, mas lutou contra o que pensava ser sua missão. Assim sendo, é louvável que Aronofsky exponha o cruel deus do antigo testamento, ao retratar a mulher como moeda de troca insignificante e onde o genocídio e o assassinato eram práticas vistas como indispensáveis.

E é claro que isso só seria possível com um diretor que soubesse o que estava fazendo, como é o caso. Cínico na forma como encara a adoração ou dons premonitórios (os alucinógenos são impagáveis), Aronofsky é genial ao propor o conflito atemporal entre a essência da vida: de tal modo, proporcionando a sequência do ano ao retratar a história do criacionismo com as imagens da filosofia do Cosmos – a evolução do macaco para Adão e Eva é indescritível. Além disso, prova sua excelência em inúmeras cenas, destacando-se a corrida com a câmera subjetiva para o território dos guardiões, o brilhante travelling circular que inicia nas florestas, faz a volta em 360º quando notamos a arca pela primeira vez e termina no novo mundo, além da sequência do voo das pombas. Igualmente, o perfil de Noé é sempre bem enquadrado no andar imponente dentro da arca, apenas um homem fora dela. Não se esquecendo de duas cenas intensas: uma delas, o monólogo desesperado de Crowe, após um plano-sequência; outra, a aproximação da primeira gota de chuva de cima para baixo, que vira uma lágrima, enquanto os homens visualizam a chuva de baixo para cima.

Nunca deixando de lado seus simbolismos, Aronofsky ainda experimenta passear pelas metáforas bíblicas: desde o batismo plagiando palavras do velho testamento, o toque celestial que a Capela Sistina retrata, o ouro puro visualizado nos arredores, a luz que faz com que não percebamos a nudez no paraíso, as vestes de pele, os gigantes que viviam na terra até a pomba que finalmente retorna trazendo uma folha verde de oliveira. O próprio “teste” do personagem-título se assemelha ao de Abraão, que curiosamente é da linhagem de Sem, e a imagem de Matusalém morto nos sonhos de Noé já ressaltava a morte do homem mais velho – já que o período era de renascimento.

Além de contrastar, durante os dias, as etapas vividas: o nascer do sol é onde sabemos que a arca será construída; o amanhecer é durante a parceria entre Noé e os guardiões; a arca é visualizada pela primeira vez quando o sol está mais intenso, provavelmente 12h; o entardecer surge durante os preparativos finais; e, finalmente, o pôr do sol é o período em que as decisões finais são tomadas e a chuva começa a cair.

Por fim, enquanto Connelly está pouco à vontade, Watson se limita a expressões chorosas e Lerman mostra suas limitações, Russell Crowe é o fio condutor da história: desde seus olhares de aprovação, passando pelo martírio e solidão enquanto ouve as vozes gritando por clemência no lado de fora da arca, até sua maneira irredutível de agir a partir do segundo ato, o ator é expressivo o suficiente para mostrar toda a dor de um ser que abandonou seu caráter para conseguir cumprir seus objetivos – nesta perspectiva, a passagem em que ele se encontra sozinho do lado de fora da arca, segurando-se apenas a uma corda, como se fosse a sua fé, é belíssima.  Também, o olhar que esboça durante o canto de Watson para os filhos recém-nascidos é comovente e singular, retratando a sua perdição.

Deixando claro que este era um de seus maiores pontos desde o começo, aliás, Aronofsky focaliza madeiras que se intercedem formando um x na hora da conversa de Crowe e Watson – como se fosse exatamente o x da questão (com o perdão do trocadilho). O tema é, mais uma vez, o fim e o início. “Eu estava errado,” assume pela primeira vez o personagem-título, continuando: “Você foi uma dádiva!”. Ainda assim, o americano não parece acreditar nessa mensagem. Se Hopkins procura frutas silvestres para sentir o sabor pela última vez, como se fossem o próprio fim, a última tentação, Winstone sobrevive em suas últimas palavras antes de sair do que viria a ser o campo de batalha daqueles homens: “voltarei com legiões”, declara. Assinalando a ganância do homem moderno. Noé realmente não é um filme comum de Aronofsky. É um filme incomum de um cineasta incomum.